что такое акварель в изобразительном искусстве

Акварель

У этого термина существуют и другие значения. См. Акварель (значения).

Содержание

Техника

Основой для акварели является, как правило, бумага, которую часто предварительно смачивают водой для достижения особой размытой формы мазка. Для этого могут служить особые рамки — стираторы — на которые натягивается лист. Таким образом, во время письма бумагу можно смачивать снизу, или бумагу кладут на мокрую фланель. Возможен и более простой способ: предварительно увлажненный лист акварельной бумаги, достаточно хорошо впитывающей влагу, кладут на стекло, при этом, в зависимости от того, как долго отрабатывается конкретный участок рисунка, выбирают угол наклона стекла, но чаще всего стекло лежит горизонтально. Сообразуясь с собственными манерными возможностями, можно допускать, чтобы вода на листе бумаги выступала в виде лужи или глубоко впитывалась и создавала лишь отдельный влажный участок. Краска в таких случаях играет по-разному, чем создает желаемый эффект. Собственно говоря, именно в этом заключается наиболее распространённое современное понимание акварельной техники. Кроме того, в акварели могут использоваться работа заливками и точечно-штриховая техника. Именно для таких приёмов используется натягивание листа бумаги на планшет, а также так называемые акварельные блоки.

Связующим веществом для акварельных красок служат легко растворимые водой прозрачные растительные клеи — гуммиарабик и декстрин. В качестве пластификатора в них вводят глицерин и инвертированный сахар, удерживающие влагу. Без этого краски бы легко пересыхали и становились хрупкими. Другая добавка к акварельным краскам, служащая поверхностно-активным веществом — бычья желчь. Она препятствует скатыванию красок в капли, облегчая рисование. Для защиты от плесени вводится антисептик — фенол.

По мнению специалистов XIX века, «для акварельной живописи употребляется или бристольский картон, ватманская бумага, или торшон, кисти беличьи, куньи, барсука или хорьковые. Однотонные рисунки делаются или по способу Губерта, употребляя сепию, или нейтральтинтом. Для цветных акварелей наиболее употребительные краски следующие: гуммигут, индийская жёлтая, жёлтая охра, терр де Сиена натуральная, таковая же жжёная, киноварь, кармин гаранс, лак-гаранс, кармин жжёный, охра красная, венецианская красная, индийская красная, кобальт, ультрамарин, берлинская лазурь, индиго, нейтральтинт и сепия» (Энциклопедия Брокгауза и Ефрона).

Работа акварельными красками на природе, с натуры, требует быстроты и отработанной техники. Вместе с тем, под рукой должен быть сосуд с чистой водой и губка, которая, как правило, участвует в процессе наравне с кистями. Качество акварельной бумаги является очень важным для работы, но самая дорогая и лучшая бумага не всегда доступна начинающим художникам, и потому вполне можно приспособиться к уже имеющейся — настолько, что даже на самой хорошей, но непривычной бумаге результат может оказаться слабее.

Современные художники достаточно успешно используют сравнительно недавно появившиеся в продаже акварельные карандаши, а также другие материалы, позволяющие «дорабатывать» акварель, к примеру: пастель, восковые мелки, гелевые чернила, и т.д.

История

Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В XII—XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии. Предшественницей и акварельной техники в Европе была роспись по сырой штукатурке (фреска), позволявшая получать сходные эффекты.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Из первостепенных художников Ренессанса значительный след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали дань Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне. Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьёзного внимания.

В то же время техника с использованием ослабленных контуров и растушёвки кистью широко применялась, особенно в XVIII веке, участниками научных и военных экспедиций для зарисовки археологических и геологических объектов, растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов: первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные краски. В середине XVIII века рисование водяными красками сделалось популярным видом досуга для непрофессионалов: распространению этого развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в 1780-е гг. и воспевающие красоту английской глубинки путевые дневники Уильяма Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на рубеже XVIII—XIX века усилиями сперва Пола Сэндби, затем Томаса Гёртина и наконец, прежде всего, Джозефа Тёрнера акварель превратилась в едва ли не важнейший вид английской живописи — в 1804 г. было основано Общество акварелистов (англ. Society of Painters in Water Colours ).

Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, — жанр, который с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве таких художников, как пейзажисты Джон Селл Котмен, Энтони Копли Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс, много писавший архитектурные сооружения Сэмюэл Праут, мастер натюрмортов Уильям Генри Хант, а также Сэмюэл Палмер, Джон Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Бёркет Фостер, Фридерик Уокер и другие мастера. Роль акварели в английском изобразительном искусстве была закреплена сочинениями Джона Рёскина, объявившего Тёрнера крупнейшим художником своего времени.

В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность также в США благодаря работам таких художников, как Уильям Трост Ричардс, Томас Моран, Томас Икинс и Уинслоу Хомер.

Во Франции распространение акварельной живописи было связано с именами Поля Делароша, Эжена Делакруа, Анри Жозефа Арпинье, а также мастера сатирических рисунков Оноре Домье.

К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро выцветающими. Тем не менее на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст и Джон Сингер Сарджент в США, а затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.

Акварель в России

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов (1791—1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих современников.

Акварелью, в портрете и жанре, работали живописец Карл Брюллов (1799—1852) и его брат — архитектор Александр Брюллов (1798—1877). Акварелисты Василий Садовников (1800—1879) и Людвиг Премацци (1818—1891), рисовали императорские дворцы и пейзажи загородных резиденций.

Во второй половине XIX века, в ряду акварельных произведений выделяются листы, исполненные Михаилом Клодтом (1832—1902), маринистами Львом Лагорио (1828—1905) и Александром Беггровым (1841—1914). Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин (1844—1930), Михаил Врубель (1856—1910), Валентин Серов (1865—1911).

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Логарио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие. Общество прекратило свою деятельность в 1918 году. В 1998 году общество было возрождено как «Общество акварелистов Санкт-Петербурга».

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Ее особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели, изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие специализированной школы акварели Сергея Андрияки.

Источник

Акварельная живопись: техники, происхождение, история 1 573 слова Раздел в процессе наполнения и корректировки

В изобразительном искусстве термином «акварель» обозначается среда для рисования, в которой цветные пигменты связаны в водорастворимых веществах. Первоначально эти связующие вещества представляли собой клеи животного происхождения или определенные сахара, но в настоящее время стандартным веществом является гуммиарабик. Могут использоваться различные добавки (например, мед, глицерин) для увеличения пластичности и создания других эффектов. Акварель обычно наносится кистями из соболя или беличьей шерсти на белую тонированную бумагу или картон, хотя в качестве основы можно использовать холст, кожу и папирус. В Китае и Японии акварельное искусство (известное как рисование кистью или свитки или тушь и размывка) является универсальным средством рисования, за исключением того, что восточноазиатские акварелисты обычно используют только черные чернила. Акварель сохнет намного быстрее, чем картина маслом и позволяет создавать более тонкие и точные произведения искусства. Тем не менее, под регулярным воздействием света, цвет блекнет и многие шедевры – в том числе нескольким примерам пейзажной живописи Уильяма Тёрнера (1775-1851) – уже нанесен непоправимый ущерб.

Примечание: «Гуашь», форма непрозрачной акварели, отличается от обычной акварели, тем, что ее пигменты связаны клеем, а ее более светлые тона получаются путем добавления белого пигмента.

Акварель – универсальный материал, его можно наносить на все, от бумаги до холста, камня, дерева и ткани. Сегодня в наших музеях можно найти множество прекрасных версий акварельных картин на бумаге, рукописей, карт и миниатюр. В то время как акварель доминировала в азиатском искусстве на протяжении тысячелетий, в западном искусстве до конца 18 века она в основном ограничивалась подготовительными зарисовками. В то время, которое сейчас называют золотым веком акварельной живописи, художники из школы английской пейзажной живописи повысили статус акварельной картины до серьезного и независимого вида искусства. Помимо Уильяма Тернера, среди известных художников-акварелистов английской школы были: Томас Гиртин (1775-1802), Джон Констебл (1776-1837) и Ричард Паркс Бонингтон (1802-1828). В конце 19 и 20 века европейские художники, такие как Эмиль Нольде (1867-1956) и Эгон Шиле (1890-1918), а также американские художники, такие как Уинслоу Гомер (1836-1910), Морис Прендергаст (1859-1924) и Джон Марин (1870–1953) создали сотни красочных картин используя эту краску.

ИСТОРИЧЕСКОЕ РАЗВИТИЕ
Список важных дат в эволюции живописи, включая движения, школы, стили и известных художников, см.: Хронология истории живописи.

Техника Акварели

В «чистой» акварельной живописи (иногда называемой «английским методом») белый цвет не используется. Вместо этого пятна или области на белой бумаге остаются неокрашенными, чтобы отображать белые объекты или отраженный свет. Цветовые тона и атмосферные эффекты достигаются за счет окрашивания влажной бумаги различным количеством цветных пигментов. Этот метод, называемый «размывкой», также можно использовать для минимизации или стирания отдельных мазков кисти или для создания больших областей аналогичного цвета (например, голубого неба). Художник контролирует эффекты этих смывок, варьируя разбавление пигментов. Уильям Тернер – возможно, величайший английский акварелист – предпочитал добавлять белый цвет в свои картины и использовал другие методы для создания своих уникальных световых эффектов. (Об интерпретации великих картин, включая акварели, см.: Анализ известных картин.).

Происхождение и история

Акварельное искусство восходит к наскальной живописи каменного века, когда человек раннего палеолита впервые нарисовал в своих пещерах изображения животных и людей используя древесный уголь, охру и другие природные пигменты. Позднее оно было популяризировано в египетском искусстве после открытия папируса (бумаги). Однако папирус очень хрупкий и единственные рисунки, которые сохранились с древнеегипетской эпохи, – это те, что хранились в пирамидах в сухих условиях. В традиционном китайском искусстве акварель развивалась около 4000 г. до н.э., прежде всего как средство декоративного искусства. К IV веку н.э. акварельные пейзажи стали самостоятельной формой китайской живописи. и в конечном итоге доминироваkb во всей китайской живописи кистью. Руководство по принципам восточного изобразительного искусства и ремесел см.: Традиционное китайское искусство: характеристики. В средние века в Европе акварель использовалась для создания иллюминированных рукописей и цветных карт, а в эпоху искусства Возрождения – для изготовления портретных миниатюр или создания этюдов с натуры.

Акварельная живопись XV и XVI веков

Современная акварельная живопись уходит корнями в Северное Возрождение. Его первым выдающимся мастером был немецкий художник Альбрехт Дюрер (1471-1528), который предвосхитил многие английские акварельные техники в серии великолепных этюдов растений и пейзажей. Дюрер был одним из первых художников, осознавших потенциал этой среды. Его ранние акварельные картины были сосредоточены на изображении топографии, но со временем он стал уделять гораздо больше внимания передаче атмосферы. Он также создал очень реалистичные этюды природы, обычно сочетая акварель и гуашь на бумаге. Известные примеры: « Молодой заяц » (1502 г.) и «Большой кусок дёрна» (1503 г., графическое собрание Альбертина, Вена). Однако, несмотря на усилия художников Школы фламандского барокко и голландского барокко, среда – за исключением ботанических иллюстраций или иллюстраций дикой природы, которые развили собственную специальную акварельную традицию – в значительной степени ограничивалась подготовительными набросками или крупномасштабными дизайнерскими чертежами, пока это не стало проявлением английской техники акварели конца восемнадцатого века.

Английская школа акварелистов XIX века

Сегодня акварель обычно ассоциируется с достижениями английской школы пейзажистов (особенно Пола Сэндби, Томаса Гиртина и Дж. М. У. Тернера). Эта группа действовала с конца 18 до середины 19 века, так называемого Золотого века акварели. Изначально художники размечали свои картины тонировочными красками. Это рисунок сделанный чернилами или карандашом, а кисть и вода используются для нанесения чернил для создания эффекта оттенка. Допускался ограниченный диапазон цветов, но в целом эффект был довольно монохромным. В то время как одни художники продолжали создавать тонированные рисунки, другие начали раздвигать границы. Такие художники, как Уильям Парс (1742-1782), Джон Уорвик Смит (1749-1831), Томас Гиртин (1775-1802) и Тернер, начали использовать более широкую палитру более ярких цветов, чтобы создать более живописный эффект. Вскоре акварель стала популярной по всей Великобритании с появлением картин дикой природы и растений, а также с новыми требованиями к пленэрам – художникам рекомендовалось копировать сцены и топографию как туристических, так и военных объектов, а также сопровождать археологические и антропологические экспедиции по всему миру. для документирования изображений флоры и фауны. Возник новый романтический стиль акварельной живописи. Используя бумагу с грубой текстурой, краска наносилась более свободной кистью, чтобы передать мимолетные эффекты в пейзаже. Среди популярных акварелистов-пейзажистов были Дэвид Кокс (1783–1859), Корнелиус Варлей (1781–1873) и Самуэль Праут (1783–1852).

Расцвет акварельных обществ

Англия
В 1804 году группа ведущих художников-акварелистов основала Общество художников-акварелистов, позднее ставшее Королевским акварельным обществом (RWS). Среди учредителей были Фрэнсис Николсон, Сэмюэл Шелли, Уильям Фредерик Уэллс, Джон Гловер, Уильям Генри Пайн и Роберт Хиллс. Среди нынешних известных членов – дама Элизабет Вайолет Блэкэддер, шотландский художник и гравер. Ее работы можно увидеть в Музее современного искусства Нью-Йорка и галерее Тейт. Кроме того, Дэвид Ремфри наиболее известен своими акварельными красками городских ночных клубов и городских сцен в натуральную величину (он получил MBE за заслуги перед британским искусством в 2001 году). Королевский институт художников в акварелей, основанный в 1831 году в рамках конкуренции с Королевским акварельным обществом, также очень активен сегодня. Известными участниками в разное время были иллюстратор детских книг Кейт Гринуэй (1846–1901), карикатурист сэр Куттс Линдси (1824-1913) иллюстратор Vanity Fair Джон Хассалл (1868-1948) и внучка королевы Виктории, принцесса Патриция Коннахт.

Ирландия
В Республике Ирландия Общество акварелистов (WCSI) было основано в 1870 году. На протяжении многих лет в состав WCSI входили такие известные ирландские художники, как Роуз Бартон (1856-1929), Джордж Кэмпбелл (1917-1979), Лилиан Дэвидсон (1893-1954), Жерар Диллон (1916-1971), Перси Френч (1854-1920), Милдред Энн Батлер (1858-1941), Летиция Гамильтон (1878-1964), Пол Генри (1876-1958), Гарри Кернофф (1900-1974), Морис МакГонигал (1900-1979), Нора МакГиннесс (1901-1980), Фрэнк МакКелви (1895-1974), Уолтер Осборн (1859-1903), Нано Рид (1905-1981), Джордж Рассел (AE) (1867-1935) и Джек Б. Йейтс (1871-1957). В Северной Ирландии Общество акварелистов Ольстера (UWS) было ведущей организацией. В состав последнего входили такие выдающиеся художники, как Глэдис МакКейб (род. 1918) и Морис Уилкс (1910-1984).

США
Акварелью также были увлечены американские художники, особенно Уинслоу Гомер (1836-1910), находившимся под сильным влиянием школы Барбизона, Уильям Трост Ричардс (1833-1905), Генри Родерик Ньюман и Джон ЛаФардж (1835-1910). American Watercolor Society (первоначально Американское общество художников акварели) было создано в 1866 году.

Акварели ХХ века

Среди известных акварелистов двадцатого века – русский художник-абстракционист Василий Кандинский (1866-1944), швейцарский модернист Пауль Клее (1879-1940) и французский художник-экспрессионист Рауль Дюфи (1877-1953). В Соединенных Штатах к известным художникам-акварелистам относились Томас Икинс (1844-1916), Джон Марин (1870-1953), Морис Прендергаст (1859-1924), Эдвард Хоппер (1882-1967), Лионель Фейнингер (1871-1956) и Эндрю Уайет (1917-2009). Американские художественные движения, поддерживающие акварельное искусство, включали Школу Огайо (из Кливлендского музея искусств) и Калифорнийскую сцену. (из Академии CalArts).

Список известных акварельных картин

Очень немногие акварельные картины, если таковые имеются, так же известны, как картины маслом. На это есть несколько причин. Во-первых, акварельные краски тускнеют намного быстрее масляных на свету. Они теряют свою живость и могут очень быстро выглядеть «размытыми» – не лучший вариант, когда дело касается общественного признания. Поэтому лучшие художественные музеи обычно демонстрируют свою акварельную коллекцию только в течение ограниченного периода времени. Остальное время картины хранятся в темных подвалах с регулируемой температурой. Во-вторых, большинство акварелей написано на бумаге, которая более подвержена порче и гниению, чем холст или дерево. В результате большинство шедевров акварельной живописи просто не выдержали испытания временем. Объяснение пейзажей девятнадцатого или двадцатого веков см.: Анализ современной живописи (1800–2000).

Ниже приводится список акварельных картин, на которые стоит обратить внимание:

Альбрехт Дюрер: Молодой заяц (1502, Альбертина, Вена)
Уильям Блейк: Жалость (1795, собрание Тейт)
Томас Гиртин: Замок Берри Померой, Девон (1798, частное собрание)
Федор Алексеев: Троицкий монастырь (1800, Бруклинский музей)
Джон Селл Котман: Акведук Чирк (1804, Музей Виктории и Альберта)
Уильям Тернер: С. Джорджо Маджоре, Раннее утро (1819, Коллекция Тейт)
Джон Констебл: Этюд облаков и деревьев (1821, Британский музей)
Ричард Паркс Бонингтон: Руан с набережной (1821, Британский музей)
Эжен Делакруа: Саада (1832, Метрополитен-музей Нью-Йорк)
Джон Констебл: Стоунхендж (1835, Музей Виктории и Альберта, Лондон)
Уильям Тернер: Замок Флинта (1838, частная коллекция)
Уильям Тернер: Рассвет после крушения (1840, Британский музей)
JMW Turner: Blue Rigi, Sunrise (1842, Tate London)
Россетти: Годовщина смерти Беатрис (1853, Эшмоловский музей)
Лоуренс Альма-Тадема: Фауст и Маргарита (1857), частное собрание)
Уильям Тернер: Закат над разрушенным замком (1868, Собрание Тейт)
Иван Крамской: Портрет С. И. Крамского (1880, Третьяковская галерея, Москва)
Мэри Кассат: Автопортрет (около 1880, Национальная галерея искусств, Вашингтон)
Винсент Ван Гог: Зуав (1888, Метрополитен, Нью-Йорк)
Чайльд Хассам: Вечерние такси, запряженные лошадьми (1890, частное собрание)
Морис Прендергаст: Дамы под дождем (1893, Музей Форт-Лодердейла)
Морис Прендергаст: Гранд-канал, Венеция (1899, Коллекция Даниэля Дж. Терры)
Эмиль Нольде: Пшеничное поле (1900, частное собрание)
Эгон Шиле: Маэдхен (1911, частное собрание)
Робер Делоне: Посвящение Блерио (1914, Musee d’Art Moderne, Париж)
Эгон Шиле: Сидящая женщина с согнутым коленом (1917, Народни) Galerie, Прага)
Джорджия О’Киф: Обнаженная серия VII (1917, Музей GO’K, Санта-Фе)
Эмиль Нольде: Красные маки (1920, галереи Леонарда Хаттона, Нью-Йорк)
Джон Марин: Острова Мэн (1922, Коллекция Филлипса), Вашингтон)
Эдвард Хоппер: Мансардная крыша (1923, Бруклинский музей)
Пауль Клее: Часть G (1927, Staatliche Museen, Берлин)
Ксул Солар: Дворец Алми (1932, Museo XS, Буэнос-Айрес)
Эдвард Бурра: Иззи Ортс (1955, Галерея современного искусства, Эдинбург)
Эндрю Уайет: Полевая рука (1985, Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия)

Источник

Сколько стоит рисовать акварелью

Я начала рисовать акварелью в 2016 году.

На каком-то сайте увидела картину с цветами и статью, в которой девушка рассказывала об акварельной технике. Дома у меня уже были нужные акварельные краски: в 2011 году я купила их в подарок маме. Все сошлось, я обрадовалась и пошла рисовать копию той картинки с цветами. Получилась кошмарная мазня, но процесс меня очень захватил.

Я задумалась о том, как освоить акварельную технику с нуля и что для этого нужно. В этой статье я собрала базовую информацию, которая оказалась для меня очень полезной: где учиться, какие материалы покупать и во сколько обойдется новое увлечение.

Если боитесь, что ничего не получится, то у меня для вас два рисунка.

Что вы узнаете

Что такое акварель

Профессиональные акварельные краски состоят из двух основных элементов — гуммиарабика и пигмента — и добавок, которые улучшают свойства материала. Гуммиарабик — это твердая прозрачная смола из сока разных видов акации. Она служит связующим звеном для пигмента, легко размывается водой и застывает на воздухе. Пигмент — это красящее вещество. Вместе они образуют цветную клейкую пасту — это и есть акварельная краска.

Акварельные краски отличаются от любых других тем, что они прозрачные. Для сравнения: слой гуаши, темперы или масляных красок полностью закрывает лист — это корпусные, укрывистые краски. В отличие от акварельного слоя, укрывистый не пропускает через себя свет, а просто дает цвет бумаге. Поэтому бумага или холст почти не работает с такими красками. В акварели же появляется эффект свечения: белая бумага отражает лучи света, которые падают на нее сквозь красочный слой.

В акварельной живописи почти не используют белую краску: ее роль играет бумага — светлые места просто не закрашивают. Поэтому, начиная картину, лучше сразу определить, какие участки должны быть светлыми, и не закрашивать их.

Еще одна особенность акварельных красок — их разводят большим количеством воды. Чем больше краски в воде, тем насыщеннее акварельный слой, и наоборот. Кроме того, вода позволяет создавать красивые эффекты и заливки.

Здесь я пыталась добиться свечения на воде, поэтому почти не закрасила ее область

В Европе до 18 века акварель применяли для второстепенных задач, например для эскизов и набросков, и как подготовительную краску для более серьезных живописных техник, например перед работой с маслом. Сейчас акварельная живопись — это отдельный вид искусства.

При этом акварелью легко рисовать дома — для этого не нужна отдельная мастерская. Понадобятся одна или две емкости с водой, хорошая бумага, краски, кисти и немного вспомогательных материалов. Как все это выбрать, я расскажу дальше в статье.

Как сделать ремонт и не сойти с ума

Где учиться рисовать акварелью

С точки зрения техники рисовать акварелью непросто. Когда я впервые взяла в руки акварельные краски, я использовала их как гуашь — плотно набирала краску на кисть и просто закрашивала лист толстыми мазками, как красят стены. Думаю, так начинают многие.

Акварель работает по-другому : ее берут только с большим количеством воды и наносят тонким прозрачным слоем. Сообразить самому, как делать правильно, сложно. Поэтому есть большой риск разочароваться в технике, когда ничего не получится.

Чтобы не бросить все после неудачной попытки, стоит посмотреть, как опытные художники пишут акварелью, изучить их приемы. И у начинающих с нуля сейчас есть много возможностей это сделать.

В офлайн-школах могут учиться рисовать и дети, и взрослые. Преимущество таких школ в том, что студентам не нужно беспокоиться об оборудовании и материалах: им дают мольберты, планшеты, бумагу и краски. Кроме того, преподаватели общаются с учениками напрямую, разбирают их ошибки, помогают поставить руку и технику. Даже на коротких курсах такая обратная связь очень ценна.

Очные курсы в Москве, Нижнем Новгороде, Санкт-Петербурге и Ростове-на-Дону есть в школе Вероники Калачевой. В каждом городе свой набор курсов, но обязательно есть программы для начинающих с необходимым набором тем — от знакомства с материалами и цветовым кругом до создания рисунка по предложенному сюжету.

Школа акварели Сергея Андрияки — это один из главных мастеров академической живописи акварелью — в Москве подойдет тем, кто хочет получить профессию живописца. Это серьезное образование — программа по академическому рисунку и акварельной живописи длится 4 года.

Занятия проходят раз в неделю и длятся 3 часа. Всего за учебный год школа проводит 35 уроков. В прошлом учебном году — 2020—2021 — занятия в группах для взрослых стоили 8200 Р в месяц, или 73 800 Р в год.

Мастер-классы — это короткие разовые уроки рисования. Один МК может длиться до шести часов. Как правило, на нем мастер пишет картину с нуля и комментирует каждое свое действие, а участники все за ним повторяют. Я ни разу не участвовала в МК, но хотела бы попробовать.

В Москве мастер-классы и пленэры часто проводит художница Анастасия Кустова. Она пишет городские пейзажи, горы, людей и работает на больших форматах. У нее узнаваемая техника живописи — контрастные картины, написанные резкими мазками. И интересная цветовая палитра — приглушенные цвета и много коричневых оттенков.

До пандемии классы проводили и другие художники. Например, Сергей Курбатов и художник-самоучка Игорь Дубовой. Также МК бывают на крупных выставках, например на «Мастерах акварели».

Онлайн-школы продают видеоуроки, которые можно смотреть в любом месте. В таких школах часто бывает бесплатный доступ к некоторым обучающим материалам, чтобы студент познакомился с курсом, но основной контент платный.

Курс Сергея Курбатова «Сияние чистого творчества» в «Энтерклассе» подойдет взрослым и детям среднего и старшего возраста, которые уже рисовали акварелью. Совсем новичкам будет трудно, хотя уроки построены от простого к сложному.

На курсе нужно нарисовать четыре сюжета:

Мне понравились технические приемы, о которых рассказывал Сергей. Некоторые из них я стараюсь применять и в своих рисунках. Например, использую маскировочную жидкость — этим специальным составом покрывают участки рисунка, которые должны остаться светлыми. Жидкость хорошо защищает бумагу под собой от краски, когда высыхает. Поэтому можно рисовать прямо поверх покрытия и не бояться, что краска затечет туда, куда не надо. В конце состав можно легко снять с бумаги ластиком.

Также Сергей научил меня делать фактурные светлые участки острыми предметами — канцелярским ножом или лезвием. Им просто трут красочный слой и соскабливают краску в нужных местах.

На «Лекторуме» курсы в основном для взрослых. Здесь я проходила две практики-интенсива:

У практик одинаковая структура. Сначала студенты изучают теорию, разбирают свет и тень в конкретном сюжете и делают его карандашный набросок. Дальше перерыв 30 минут. Затем практика и работа с цветом: преподаватель пишет картину в цвете с нуля и показывает студентам, как правильно применить теорию, комментирует все свои действия. На этом этапе ученики должны работать одновременно с преподавателем.

По ходу практики можно задавать вопросы в чате. Также не запрещают рисовать свой сюжет, но на ту же тему.

Преимущества таких практик в том, что интенсивная работа в течение пяти часов прокачивает выносливость и терпение. Плюс на «Лекторуме» можно найти интенсивы на интересные и редкие темы. Например, я нигде больше не встречала такого подробного разбора по построению теней, какой был на практике «Строим тени правильно».

В школе Вероники Калачевой есть курсы для взрослых и детей. Здесь я проходила только бесплатные курсы и вебинары, которые проводила Вероника. Часть из этих уроков еще осталась на ютуб-канале школы, например «Облако акварелью».

Инстаграм-аккаунт с анонсами новых курсов и прямых эфиров

Плюс таких занятий в том, что их ведут преподаватели с большим опытом рисования и обучения. И даже на бесплатных курсах рассматривают важные и полезные темы, а информацию структурируют от простой к сложной.

Обучение во всех этих школах проводят известные в российском акварельном сообществе художники и художницы. Перед покупкой курса рекомендую посмотреть работы каждого мастера и выбрать стиль, который больше понравится, а потом идти к нему учиться.

Ютуб-каналы — это возможность учиться бесплатно. Я рекомендую начинать с видео на канале Екатерины Голанд — это художница, которая занимается разными видами творчества: акварелью, витражной росписью, росписью шелка, линогравюрой.

Когда я не знала, с чего начать, наткнулась на небольшой бесплатный курс Екатерины «Месяц акварели» — в нем было пять видеоуроков и статьи об акварельной живописи. Информацию подавали от основ к более сложным темам. К сожалению, сейчас этого курса уже нет. Но на ютуб-канале осталось несколько простых упражнений, которые тогда очень помогли мне понять суть акварельной техники.

Вот какие уроки Екатерины Голанд стоит посмотреть:

Ко всем урокам есть базовые упражнения. Рекомендую обязательно их выполнять, чтобы узнать и прочувствовать, как краски взаимодействуют с водой и бумагой.

Еще один сильный ютуб-канал и блог у Анастасии Кустовой — я о ней уже рассказывала. На канале есть сложные полноценные видеоуроки с подробным объяснением, как все работает в акварели, и наглядной демонстрацией. Для новичка выглядит страшно, но художница поясняет каждое свое решение в работе, поэтому уроки подходят всем.

Начать можно с видео про цвет и тон и дальше смотреть темы по порядку — они расположены от простого к сложному. И обязательно выполняйте задания.

Также рекомендую бесплатные уроки по теории цвета от иллюстратора Татьяны Ширбидовой:

Татьяна объясняет основы теории цвета, рассказывает о работе с цветовым кругом, законах смешивания цвета и о теплых и холодных цветах. Все на примере рисунков.

В «Инстаграме» много блогов акварелистов. Это удобная площадка для художников: результат их работы — картинка, и ее надо показывать, как и процесс ее написания. Вот интересные страницы, на которые я рекомендую подписаться:

Инстаграм-уроки удобно смотреть в разделе IGTV.

В «Инстаграме» часто проходят марафоны, на которых можно учиться и получать поддержку от единомышленников самого разного возраста и уровня подготовки. Художники организуют их, чтобы привлечь больше подписчиков, — чем лучше они объяснят и покажут процесс рисования, тем лучше для них. Поэтому участников бывает очень много — 200, 300, 500 человек.

Когда я в 2018 году начинала участвовать в марафонах, они были похожи на мини-курсы : материалы подавали красиво, понятно, на видео в хорошем качестве. Интересно было участвовать в онлайн-трансляции : садишься за компьютер, и еще 300 человек одновременно с тобой стараются и рисуют такую же картинку.

Сейчас в марафонах бывают длинные и короткие уроки — по 5 минут. А бывает просто создание рисунка на заданную тему, где рисуешь любой свой сюжет. Чаще всего такие уроки проводят в прямых эфирах. Новичкам рекомендую выбирать марафоны с длинными уроками: там дадут больше полезной информации.

Мой первый марафон — «Акварельная зима» от Нины Петровской — был бесплатным и очень добротным. У него была история: организаторы взяли рассказ писательницы на тему зимних романтических приключений, и студентам нужно было выполнить рисунок по предложенному референсу к каждой главе, всего их было пять или шесть.

Референс — картинка или фото, с которого художник пишет работу

Я не участвую в марафонах с 2019 года: ничего нового там уже не узнаю, поэтому неинтересно. Но для новичка это отличный формат, в том числе и потому, что можно познакомиться с людьми, с которыми у вас общий интерес к живописи.

Вот несколько особенностей марафонов, которые нужно понять и принять:

Я считаю, что хорошее знание теории бесполезно без практики, поэтому рекомендую выделять минимум по 15 минут в день на простые зарисовки. Если у вас нет идей, рисуйте все, что видите перед собой: кружку, собаку, облако или любой другой предмет.

Как выбрать краски

Детские акварельные краски не подойдут: их часто делают из дешевого сырья, поэтому они дают неожиданные цвета. По свойствам детская акварель тоже сильно уступает профессиональной: быстро выцветает, недолговечная, малопигментированная. Поэтому сразу выбирайте краски из профессиональной линейки — привыкайте к тому, как они себя ведут.

Например, мне нравятся краски российского производства от завода «Невская палитра». Также хорошие и яркие краски по доступной цене у Pinax, их стоимость — 145—250 Р за тюбик.

Акварельные краски бывают сухими и пастообразными. Первые продают в кюветах, вторые — в тюбиках. Состав у них одинаковый. Но краски в кюветах нужно размачивать, поэтому их сложнее набрать для большой заливки. Зато их комфортно носить с собой на пленэры. Краску в тюбиках надо только выдавить на палитру и добавить воды — это удобно. С тюбиками хорошо работать дома.

На упаковке акварели всегда указывают состав пигментов — их может быть до пяти в одной краске. Также бывает однопигментная акварель — такая больше подойдет новичкам, потому что с ней удобнее учиться смешивать краски.

Для начала хватит шести красок: красной, синей и желтой в теплых и холодных оттенках. Все остальные цвета можно смешать из этих шести. Названия красок у каждого производителя свои, поэтому не ориентируйтесь на них, а смотрите на пигментный состав.

Профессиональные бюджетные краски хорошего качества — «Невская палитра», Pinax — стоят 80—100 Р за кювету и 150—200 Р за тюбик 15 мл. Но есть варианты и дороже.

Но не стоит совсем игнорировать пигменты: знание состава красок помогает подобрать нужный цвет в картине, создать эффекты, например грануляцию. А еще это помогает сэкономить: большую часть красок в наборе обычно не используют, а вот ходовые цвета — красный, синий, желтый — быстро заканчиваются, их приходится докупать поштучно.

Грануляция — это когда от большого количества воды краска выпадает в осадок. В результате получается неоднородный красочный слой. Красками с таким эффектом удобно рисовать шероховатые поверхности — фактуры, землю

На какой бумаге рисовать

Бумага — самое важное в рисовании акварелью, потому что от ее качества всегда напрямую зависит результат. На хорошей бумаге раскрываются все возможности акварели. Она стойкая, меньше повреждается при трении ластиком или кистью, на ней получаются красивые заливки. Еще она устойчива к старению — не выцветает и не портится, а значит, картины будут долго вас радовать.

Дешевая бумага может размокать, при трении на ней появляются катышки, с нее некрасиво стекает вода, лист быстро сохнет, сильно коробится от воды и собирает на поверхности лужи, которые совсем не нужны во время работы.

Акварельная бумага бывает:

Мне больше нравится хлопковая бумага. Она отлично держит воду, краску, долго сохнет, на ней получаются красивые заливки и разводы краски. Минус хлопка в том, что он приглушает яркость красок. То есть действует как ткань — хорошо впитывает краску и оставляет ее внутри листа.

На целлюлозе слой остается ярким, потому что она вообще не впитывает воду с краской и оставляет ее на поверхности. Целлюлозная бумага с хлопком ведет себя как целлюлозная, но, по моим ощущениям, высыхает чуть медленнее.

Для пробы пера можно взять самую простую целлюлозную бумагу, но приятнее рисовать на бумаге из стопроцентного хлопка.

Хлопок 100% фактуры сатин — гладкая. С целлюлозы, даже в которой есть хлопок, можно полностью смыть краску, потому что весь пигмент остается на поверхности. С хлопка — нет: часть пигмента попадает внутрь листа и там остается

У акварельной бумаги различают несколько фактур:

Чем плотнее бумага, тем меньше она деформируется от воды. Плотность бывает от 175 г/м² до 850 г/м². Тонкую бумагу обычно натягивают на подрамник — это специальная деревянная рама.

Я пробовала рисовать только на бумаге плотностью 200 и 300 г/м². Мне нравится бумага 300 г/м², и новичкам рекомендую брать такую. Она незначительно деформируется в процессе и собирает меньше луж — при условии, что ее правильно закрепили на планшете.

Обычно я выбираю для своих рисунков среднезернистую бумагу плотностью 300 г/м²

Акварельную бумагу продают отдельными листами разного размера, в альбомах или склейках — это когда несколько листов соединяют клеем с торцов. Порисовал — оторвал законченную картинку, творишь на следующем.

Варианты бумаги для рисования акварелью

Какие кисти понадобятся

Для акварели подойдут кисти как из натурального ворса, так и из синтетики. Но они по-разному себя ведут.

Из натуральных распространены:

Синтетические кисти отличаются упругостью, они быстро возвращают себе форму и более долговечны, плохо держат воду, но отлично набирают пигмент. Эти кисточки хорошо использовать для детализации.

Еще кисти различаются по форме. Существуют следующие типы:

Производством кистей в России занимается много компаний. У меня есть кисточки от Roubloff, Pinax, Vista-Artista и «Альбатроса». Они производят натуральные и синтетические кисти. Все, что я у них покупала, мне нравится.

Что еще понадобится для рисования акварелью

Планшет нужен для фиксации листа, чтобы он не ерзал по столу и меньше коробился от воды. Лист крепят к планшету малярным скотчем по краям. После того как рисунок высохнет, его можно легко отклеить от планшета.

Новичку подойдет любой планшет — лишь бы выполнял свою главную задачу. Выбирайте комфортный по цене вариант.

Материал и цены планшетов

Малярный скотч — это клейкая лента, которой бумагу крепят к планшету. Такой скотч не сильно повреждает бумагу в месте крепления и легко снимается после окончания работы. Им удобно крепить небольшие форматы, он хорошо удерживает бумагу до полного высыхания, но иногда отходит в месте сильного намокания — такие моменты придется отслеживать.

Коробки нужны для хранения красок. Они бывают:

Где покупать материалы

В Москве есть несколько крупных маркетов, в которые можно прийти и сразу взять что нужно: «Красный карандаш», «Арт-квартал» и «Передвижник». У каждого из них есть интернет-магазин с доставкой по стране. Еще мне нравится интернет-магазин Etudesite — у него нет офлайн-магазина, но можно забрать заказ из пункта самовывоза.

В британском магазине Jackson’s Art можно заказать редкие штучки, которые к нам не привозят, например пигменты, чтобы самостоятельно готовить краски, красивые кисточки европейских производителей, все виды красок. Иногда я захожу туда просто посмотреть: это целый музей, фото очень красивые. Мои знакомые художники иногда делают большой общий заказ в этом магазине, чтобы получить хорошую скидку.

Еще есть известный магазин товаров для хобби — «Леонардо». В нем не такой большой выбор акварели, но всегда можно собрать минимальный набор. В отличие от остальных магазинов, «Леонардо» есть во многих городах России.

Сколько стоит рисовать акварелью — 2418—75 918 Р

Вот что я рекомендую, если хотите рисовать акварелью

Потихоньку рисую несколько лет. Особенно нигде не учусь, смотрю мастер класс на Художник онлайн, хожу на пленеры с разными художниками. На фото моя работа с одного из плееров на крыше в Петербурге

В этом году начала рисовать. Никак не могла найти школу, подходящую мне по графику. В результате занимаюсь с частным преподавателем в удобное мне время за те же деньги.

Спасибо за статью, очень интересно. Взяла кое-что на заметку. Очень люблю акварель как раз собираюсь прокачивать скилл по ней)

Сам я вряд ли займусь хоть каким-либо видом рисования, но статья очень интересная

Доброго времени суток, я рисовать начала в 2021 году осенью, пробую все материалы, но больше всего мне нравится техника по-сырому, акварель замечательная штука и я в неё влюбилась. Эта работа уехала в Екатеринбург на выставку.

Хорошая статья, полезная) хотела бы добавить, что у всех производителей кистей своя маркировка, и зачастую кисти под одним номером могут у разных производителей отличаться в разы.
Еще хочу порекомендовать хлопковую бумагу от Невской Палитры, особенно 100% 300мг. Очень хорошее сочетание цены и качества, если пока не готовы покупать дорогую иностранную бумагу.

Я учусь акварели уже года полтора, только онлайн, и могу месяц рисовать каждый день по несколько часов, а потом пару месяцев вообще не подходить к краскам. За это время успела пройти несколько курсов в школе Художник Онлайн с обратной связью (в том числе и по академическому рисунку) и в школе Вероники Калачевой (только акварель, без обратной связи). Посмотрела множество видео по теме на ютубе, периодически почитываю учебную литературу.
Хочу попробовать онлайн курсы Вероники Калачевой с обратной связью, но пока не решилась — они стоят значительно дороже, чем курсы без обратной связи, которые я накупила по акции.
Из двух вышеперечисленных школ у каждой есть свои плюсы и минусы — в Художнике онлайн лучше сняты и смонтированы уроки, но при этом мне показалось, что там само обучение устроено странно. Я не почувствовала большого прогресса в рисовании, хоть работы получались крутыми для зрителей и всем очень нравились) там будто бы ты скорее повторяешь шаг за шагом за преподавателем, но почти не учишься самостоятельному рисованию.
В школе Вероники Калачевой на курсах как раз много таких тем, объяснений и практики, которые позволяют научиться мыслить как художник и создавать свои собственные работы. Поэтому отдаю предпочтение именно этой школе.

Проходила несколько лет назад акварельный курс в школе Вероники Калачевой. Мне очень понравилось как выстроено обучение, получила истинное удовольствие, акварель в итоге к сожалению забросила: уткнулась в то что без академического рисунка в акварели никуда, пыталась начать несколько курсов по рисунку, но не закончила ни один из них, увы.

Боюсь забрызгать краской все вокруг, да и раскладывать кисти и краски долго, цифра побыстрее 🙁

Совет «Не скупайте всё подряд!» на мой взгляд, самый важный! А то приходишь в тот же Леонардо и глпза разбегаются. 😁😀😂 Так что за примеры минимальных наборов нужных покупок на первых шагах ОГРОМНОЕ спасибо. 🤗 🙏🙏🙏

Источник