Искусство ради искусства, или ради людей?
Искусство ради искусства, или ради людей?
Анатолий Лесенчук 2
Конечно, надо было бы вставить словечко «по преимуществу». Т.е. как двигатель творчества – страсть к творению, или страсти по людям? (Поскольку одно не противостоит, автоматически, другому)
Моя старушка, например, считает, что человек с плохими человеческими качествами (но «Художник»!) может быть талантливым, и может принести бОльшую пользу и людям, развивая «искусство вообще», а людям как бы «перепадает» при этом. «Искусство выше жизни» в этой позиции.
Я же не согласен. По мне исходное – это именно человеческая направленность художника. Искусство не искреннее, не пронизанное болью за самых «простых» людей, по мне, просто форма паразитизма. Да, есть и такое, когда талант имитируется форменным подлецом – он как артист создает (пишет, рисует и т.д.) нечто интересное и очень похожее на искусство. Как бы умеет угадать даже, что именно ждут нормальные люди. /К примеру, тема милосердия – она всегда встретит сочувствие/.
Но где-то такой «угадыватель», всё равно, «проколется». Рано или поздно, понятно будет, что в глубине своей души он лжец, и ищет лишь «славы». По другим работам, по характеру его практической жизни. Да, и не сможет он даже по «выигрышной» теме написать полностью искренне. Чуткая душа уловит фальшь.
Другая крайность – у человека есть душа, есть боль, но слабовато с формой выражения. (Возможно, и обо мне так скажет кто-то, ибо по высшим меркам (Пушкин, Толстой и прочая и прочая – ах, что за чудо наша литература!) я, конечно, не талантлив). Просто, в моем случае, человек чувствует внутреннюю потребность выразить себя и сказать, что-то доброе людям, прогневиться на царство плохих людей и так далее.
Это просто летопись внутренней жизни человека. Она имеет право на существование. И тоже может быть важной для людей. Не меньшее, чем т.н. «высокое искусство» или разного рода «прочтения» театральные.
Я, в своей искренности, могу написать даже и такое, что (я знаю) не будет нравиться современным людям. Но я считаю, что важнее быть человеком, таким, как ты есть, чем признанным «мастером жанра», успешным, или попросту «раскрученным» какой-то мафией «талантом». Искусство имеет смысл только в контексте жизни реальных людей. В этом плане даже скромная попытка выразить себя в поэтической форме важнее обожествляемой отвлечённой «поэтической формы». Поэзия выражение души и беседа души с душей другого человека. Пусть душевный отзвук на мои стихи будет не всеобщим, лишь бы он был! Ради этого я пишу. Лишь бы он был, хотя бы минимальный! Тогда, значит, не зря трата нервов, сил, времени….Стоп, стоп – не соври! А радость! Да, ещё есть радость! Радость создавать, даже пусть и не «сверх-талантливое».
Короче, как говорят наши мальчишки, так, вот, короче, когда я умру, надеюсь, что люди не будут испытывать чувство неловкости при произнесении прощальных речей, и в памяти своей. Скажут: неплохой был дядька! И некоторые стихотворения есть у него хорошие. С меня и этого хватит!
Лишь бы никто не записал в своём дневнике обо мне так: «О нём хочется сказать громкое: НИЧЕГО!»
16 августа 2007 г.
© Copyright: Анатолий Лесенчук 2, 2009
Свидетельство о публикации №2905010328
Искусство для искусства
Явное и целенаправленное утверждение искусства ради искусства — явление сугубо современное. Сама фраза начинает появляться только в первые годы XIX века, и только через некоторое время после этого можно сказать, что у нее появились узнаваемый смысл и намерение. Именно этого и следовало ожидать. Ибо прежде чем возникнет необходимость и основание утверждать, что художественная деятельность самодостаточна и произведения искусства являются самоцелью, должен возникнуть определенный интеллектуальный и культурный климат.
До тех пор, пока структура жизни — индивидуальная и социальная, экономическая и функциональная, теоретическая и практическая — относительно компактна и сплочена, мало поводов для возникновения частных групп с сильным чувством собственных интересов и задач в отличие от интересов других групп. Люди, очевидно, все это время исполняли разные роли, требующие разных навыков и направленные на различные цели; и их соответствующие обязанности и полномочия варьировались в широком спектре. Но и действительная структура общества, и отношение людей к обществу были в значительной степени целостными и организменными. Следовательно, те виды деятельности, которые мы теперь достаточно четко различаем, такие как религия, мораль, политика, право, наука, техника, искусство и т. д., ранее не рассматривались и не практиковались таким сепаратистским образом. Одни и те же люди часто занимались несколькими из этих видов деятельности, которые рассматривались как отдельные виды деятельности. Хотя люди, несомненно, занимались искусством, они, за некоторыми исключениями, не очень-то сознавали себя художниками.
Начиная с эпохи Возрождения, связное культурное и интеллектуальное единство начинает разрушаться, и в конце XVIII века оно приходит к полному краху. К тому времени дивергентные и разделяющие тенденции начинают действовать по всей социальной структуре, находя свое выражение в том, что мы называем религиозными, политическими, научными и промышленными революциями. Вдохновленные интенсивной преданностью определенным ценностям и целям, люди объединяются в различные группы, каждая из которых обладает сильным чувством собственной идентичности и миссии. В результате этого широкого социального и культурного движения люди начинают думать о себе как об ученых, министрах, политиках, финансистах или художниках. Они утверждают, что как таковые имеют функцию особой важности и поэтому требуют особых привилегий.
Искусство ради искусства? Ханукальные размышления
Почему среди художников так много эгоцентриков? Вызывающее поведение поп-звезд — только одно из проявлений общей картины. Одинокий художник, запертый в своей мастерской творит шедевр, не обращая внимания на еду, разложенную рядом. Это — клише. Дурной характер деятеля искусства, взрывы его ярости стали эталоном таланта. Маэстро бросает на пол дирижерскую палочку и в гневе покидает репетиционный зал. Привычная сцена из жизни многих симфонических оркестров. Поведение примадонны, упрямство и высокомерие — «фирменные знаки» художников всех видов искусства. Почему же они так эгоистичны? Почему окружающие мирятся с этим? Почему своим молчанием мы одобряем подобный стиль общения? Художник считает себя Творцом. Ведь поначалу перед ним — чистый лист. И вот он создает на нем свой мир. Нечто возникло «из ничего». И это «нечто» — во власти художника. Он может создать его, а потом — уничтожить. Написанное им небо может быть голубым или желтым. Это — его видение. Он может класть мазки в любом направлении. И кто скажет ему, как нужно писать? Только — он сам.
Если есть в мире народ, который можно считать символом Искусства с большой буквы — так это граждане Древней Греции. Греки создали эстетику, поэзию, драму. Почему же греки достигли вершин? «Успех» греческого искусства не в географическом расположении, не в демографической или расовой принадлежности. Его источник — стих Торы: «Да расширит Всевышний возможности Яфета, да будет он обитать в шатрах Шема» (Берешит, 9:27). Так благословил Ноах своего старшего сына. Но благословение красотой дается при условии, что Яфет «будет обитать в шатрах Шема». Почему Ноах дал ему это благословение на таком условии? Имя Яфет имеет тот же корень, что и слово яфэ, то есть — «красивый». Четвертый сын Яфета — Яван. Так евреи называли Грецию. Еврейский народ — потомок Шема. Шем, в переводе с иврита означает — «имя». В других языках имена функциональны и не определяют суть предмета и явления. В святом языке имя определяет сущность, связывает с духовным корнем. Яфет, красота, искусство находит подобающее место в схеме вещей, когда «обитает в шатрах Шема, когда выражает сущность», раскрывает истину существования. Истина — это и есть Красота, но красота может быть и неистинной. Если Яфет покидает шатры Торы, оставляет мир сущности, мир Шема, и концентрируется на самом себе, искусство становится извращенным и извращающим.
СЕМЬДЕСЯТ ЗАПЕРТЫХ КОМНАТ
Несколько ключевых событий выражают отношения между Иерусалимом и Афинами, Шемом и Яфетом. Они происходят в кислеве и тевете. Особенно показателен в этом отношении праздник Хануки, который начинается 25 кислева и заканчивается в первые дни Тевета. Однако спустя несколько дней для нашего народа наступает день печали, который раскрывает другую сторону символических отношений между Шемом и Яфетом.8-го тевета три дня духовной тьмы низошли на мир, когда греко-египетский царь Птолемей (2 в. До н. э.) запер семьдесят еврейских мудрецов в отдельных комнатах и каждому приказал сделать перевод Торы на греческий язык. Льва, который бродил на свободе, заперли в клетку. Тора, план всего творения, была заперта в клетку чужого языка. Она стала просто книгой на полке. Теперь народы мира могли сказать: «Да знаем мы вашу Тору. Она стоит у нас на полке в университетской библиотеке. Там, в философско-религиозном разделе. ». В чем состояла символика этого действия — взять и запереть мудрецов в отдельных комнатах? Комната подобна шатру. Когда Птолемей запер мудрецов в «одиночках», он как будто поместил их в шатры, посадил Шема в шатер Яфета. Когда Тору перевели на греческий, ее как будто заперли в холлах академии, как любую другую книгу. Сущность заставили служить форме. Внутренний мир стал слугой внешнего мира. Мир перевернулся вверх ногами.
ИСКУССТВО РАДИ ВСЕВЫШНЕГО
Есть религиозное искусство греков и их потомков: Донателло, Микеланджело, Бах, Гендель. Но религия здесь служит искусству, а не наоборот. Религия платит искусству и даже становится материалом, «сырьем» для искусства. Стремление к Творцу мира в этом случае — уже не цель достижений художника. Человек не хочет служить Всевышнему. Это сделал Птолемей, закрыв мудрецов в комнатах. Естественный порядок был перевернут. С греческой точки зрения, центр мира — человек. Интеллект человека, его способность воспринимать Творца «определяет» Божественные «пределы». То, что я не могу представить себе, не существует.
Еврейский народ, потомки Шема, провозглашают миру, что ум человека не в состоянии ни постичь, ни ограничить Всевышнего. Творец не сидит в человеческом шатре. С еврейской точки зрения, красота определяет сущность. Она указывает на реальность за пределами человеческого сознания. Слово уродливый, на иврите — ахур, другое значение которого «светонепроницаемый», «темный». Все, что скрывает внутреннюю сущность — безобразно, каким бы красивым они ни казалось. Ничто не может быть по-настоящему красиво, если не выражает сущность. На иврите лицо — паним, это произносится почти как пним — «внутри». Только в лице человека можно увидеть его внутреннюю сущность, в которой интеллект властвует над физическим строением. Истина с большой буквы — вне сознания человека. Когда мы замечаем, как красив этот мир, что-то подсказывает нам, что есть трансцендентное существование — абсолютная Истина. Истинный художник испытывает трепетный восторг перед этим существованием и превращает его в ноты, картины, литературные метафоры. В мире искусства человек не может распоряжаться как тиран. Искусство — самое живое отражение внешнего мира.
Рав Ашер Синклер, раньше снимался в Голливуде — в комедийных фильмах, выступал на многих сценах мира в жанре «Stand up comedian». Затем оставил Голливуд и сцену, начал жить согласно еврейским традициям. В Израиль приехал из Лондона. Сейчас преподает в иешиве Ор Самеах в Иерусалиме.
Шарль Бодлер. Искусство
ради искусства
Для чего люди создают произведения искусства? Причин может быть множество, но всегда есть особая группа людей, которые творят ради самого акта творения. Они готовы долго и кропотливо работать над своим произведением и над своими навыками, чтобы создать нечто совершенное. Порой даже свою жизнь они выстраивают по такому принципу — искусство ради искусства.
Французский поэт Шарль Бодлер (Charles Baudelaire) принадлежит именно к этой группе творцов. Более того: благодаря своему отцу, Франсуа Бодлеру (François Baudelaire), он с раннего детства окунулся в мир искусства. Они вместе посещали выставки в музеях, знакомились с художниками. Но внезапно идиллия закончилась — в 1827 году отец поэта умер. Шарлю на тот момент было всего шесть лет.
Эти события наложили отпечаток на жизненный и творческий путь Шарля Бодлера. После возвращения из Лиона в Париж он окунулся в бурную жизнь ночного города. В Монмартре — месте сосредоточения всей богемы Парижа и не только — Бодлер с головой ушёл в творчество и распутство. Непонимание и отторжение матерью литературных амбиций поэта также повлияли на его становление. Тоска, разочарование и меланхолия становятся верными спутниками Бодлера. Его современник и друг Жюль Бюиссон (Jules Buisson) говорил:
«Бодлер обладал весьма чувствительной, тонкой, своеобразной и нежной душой, давшей трещину при первом же столкновении с жизнью».
Поразительная по силе рефлексия отравляла его жизнь, но вместе с тем позволяла создавать настоящие шедевры литературы. Опыт, который он получил в богемной среде, в совокупности с общим мрачным мироощущением позволили ему создать скандальный сборник стихов «Цветы зла» (Les Fleurs du mal), который был выпущен в 1857 году. Сборник тогда произвёл фурор в европейском обществе. По поводу первого издания даже начался судебный процесс, в результате которого поэта оштрафовали за нарушение норм общественной морали, а шесть наиболее непристойных стихотворений пришлось убрать из сборника.
Искусство, по мнению Бодлера, существовало исключительно ради создания всё большего художественного совершенства. Это прекрасно видно по «Цветам зла». Можно даже сказать, что искусство в нём стоит по ту сторону добра и зла. Шарль Бодлер создаёт новую непривычную эстетику декаданса, у которой была масса противников. Сборник можно даже назвать контркультурным для того времени. Это поистине было выражением искусства ради самого искусства в отрыве от ханжеской морали буржуазного общества.
Кстати, в 1857 году в статье «О некоторых французских карикатуристах» (Quelques caricaturists français) он с осуждением писал, что для людей не сведущих в этом
«искусство – это, прежде всего, искусство угождать».
Как правило, так он отзывался о буржуазии, которая, по его мнению, всегда восхищалась художественными произведениями невпопад, не понимая ровным счётом ничего. Это касалось любого творчества. Бодлер считал, что именно буржуазные восторги, а вместе с ними и
«денежные подачки и аплодисменты поклонников поощряли эту плачевную манию, которая делает из человека безвольную куклу, а из писателя — опиомана».
Всё это убивало истинное творчество, заставляло художников, поэтов и писателей создавать произведения в угоду массам. Для Бодлера это было сравнимо с проституцией. Поэтому он и не пытался создавать нечто привычное для буржуазного сознания середины XIX века. Творец совершенствуется и оттачивает свои умения, выходя на другой уровень понимания прекрасного. Вследствие этого, понят он был тоже не всеми. Судебный процесс вокруг «Цветов зла» тому в подтверждение.
Кроме того, Шарль Бодлер был ярым противником технического прогресса, поскольку он, по его мнению, убивал искусство. Например, об изобретении фотоаппарата он отзывался так:
«В наше прискорбное время родился новый вид техники, который немало способствовал внедрению и укреплению нелепых понятий и уничтожению остатков возвышенного в мироощущении французов».
Всё дело в том, что Бодлер был противником того, чтобы промышленность вмешивалась в искусство. Для него возникновение фотоаппарата означало, что люди попросту перестанут ценить искусство художника, поскольку каждый отныне мог в доли секунды запечатлеть захватывающий пейзаж или любимого человека. В чём тогда смысл художника? Где же тут место для искусства ради искусства?
Творчество для Шарля Бодлера было чем-то большим, чем простое создание рядового художественного произведения или снимка реальности. В своём стихотворении «Гимн Красоте» (Hymne à la Beauté) поэт показывает, что красивое можно найти в чём угодно, будь то действительно привлекательное или просто отталкивающее. Произведение заканчивается следующими словами:
«Ты Бог иль Сатана? Ты Ангел иль Сирена?
Не все ль равно: лишь ты, царица Красота,
Освобождаешь мир от тягостного плена,
Шлешь благовония и звуки и цвета!»
(Перевод Эллиса)
Читая это, мы делаем вывод, что лишь на пути истинного искусства можно приблизиться к восприятию Красоты любого порядка. Вот, какова его задача. И для этого надо лишь начать творить.
Об «искусстве ради искусства» по оценке Ф.И. Гиренка
Данная статья относится к Категории: Публицистика
«Современное искусство, реализуя принцип искусства ради искусства, фактически признаёт свою слепоту и никчемность.
Никчемность художника заставляет его быть белкой в колесе. То есть заставляет его помещать себя; в процесс непрерывного делания, цели которого ему неясны и поэтому недостижимы. Любая приостановка этого делания обнаруживает неплодотворную пустоту художника. Для того чтобы скрыть её, художнику нельзя останавливаться.
Он должен всё время творить, создавать один продукт за другим.
Поэтому всё, что современный художник называет творчеством, оказывается боязнью своей пустоты, убеганием от самого себя. Нежеланием столкнуться с собой один на один.
Современный художник по существу своему симулянт. Его задача состоит в расширении симулятивного пространства культуры.
Без сомнения, роль художника в составе социальных институций преувеличена.
Искусство, литература и театр не имеют сегодня никакого значения. Они не делают нас ни хуже, ни лучше.
Современный художник стал профессионалом. И в этом смысле он ничем не отличается от пекаря или сапожника.
Пора перестать обращать внимание на художника. Нужно предоставить его самому себе».
Гиренок Ф.И., О современном искусстве / Удовольствие мыслить иначе, М., «Академический проект», 2008 г., с. 135.
Изображения в статье
Image by garageband from Pixabay
Исключительно на любителя.
Сломал дорогу (2)
Детский Рисунок на обоях
Даже не думал что так обалденно получиться
Стены мои
Товарищ мой
Восторг мой
Тег моё
Персонажи из мульта bare Bears
Рыжая осень
Миниатюра
Акварельная копия в размер спичечного коробка, написанная мной в 2016 году.
«Данте и Вергилий в аду» Бугро, или не ходите дети по Аду гулять
Частенько в своих постах я ругаю академизм, и есть за что. Но и не восхищаться многими картинами направления я не могу. Не стала исключением и эта – вы поглядите, сколько эмоций, силы и эстетства.
Адольф Вильям Бугро – «Данте и Вергилий в аду», 1850
Ах Данте, твое путешествие лично для меня закончилось на одном из кругов в чистилище – для молодого меня стало совсем неинтересно на каждую страницу читать страницу заметок, каюсь и обещаю исправиться.
Немного про сюжет. Данте в сопровождении Вергилия обходит знаменитые круги Ада, картина застает их на восьмом, а конкретно на 10 рве восьмого круга. Там, как известно, не очень позитивно проводят время фальсификаторы.
Карта Ада от Сандро Боттичелли:
Джанни Сикки (прозвище рыжий) кусает и ломает полностью Капоккьо. Оба начудили в свое время: Сикки выдал себя за местного богача на смертном одре (тот как раз недавно умер) и от его имени составил завещание, весьма и весьма выгодное для себя. А Капоккьо был обычным алхимиком и еретиком, ничего особенного.
Драка Сикки и Капоккьо:
А вот что интересно – детали! Во-первых, вам не кажется удивительным, насколько Данте и Вергилий спокойны? У вас тут под ногами происходит ММА, а Данте лишь немного недоволен.
Для антуража Бугро добавил черта с грустным взглядом, а на заднем плане гору плоти – люди борются между собой и безуспешно пытаются спастись. Добавляет настроения зарево на фоне – ничего хорошего в этом месте не встретить.
Черт и борьба погибших душ на заднем плане:
В центре картины самое главное событие – безумная драка, этот клубок из мышц, сухожилий и чистой ярости. Бугро попытался изучить мрак человеческой души, но при этом не уходит в безумие Гойи, а старается уловить баланс эстетического – согласитесь, сюжет откровенно мерзкий, но картина не вызывает отвращение, она притягивает, хочется разглядывать ее.
Бугро явно вдохновлялся картиной Делакруа с тем же сюжетом и той же вычурностью.
И вы мне скажете – окей, а сможешь добавить актуальную повестку и связать картину с Оксимироном? Ха, легко. Группа блэк-металлистов Gorgoroth (прямо как его Горгород, а?) взяли картину на обложку.
Но вообще их название из вселенной Толкина, но приплести получилось, не правда ли?
Больше интересных историй из мира живописи можно посмотреть в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo
Проект мультфильма по произведениям Ивана Ефремова
Тайна Дан, биохимик
«Есть только один настоящий путь в космос – от избытка сил, с устроенной планеты на поиски братьев по разуму и культуре. А для этого человек должен обеими ногами крепко стоять на Земле, переделывая её радостным трудом и становясь всё богаче и крепче духовно». Иван Ефремов «Лезвие бритвы»
Глаза моих собеседников, художников излучают доброту и горят энтузиазмом. Интервью с ними оказалось одним из самых приятных в моей жизни.
– Слава, что представляет из себя ваш проект 37-я звёздная?
– Спасибо, что наш проект так заинтересовал вас и вызывает внимание у любителей и не только любителей научной фантастики.
Как уже вы сказали ранее, наш проект задумался как художественно-анимационное воплощение мира и образов творчества Ивана Ефремова. Анимация как жанр и форма выражения очень схожа с научно-фантастической литературой в том, что и там, и тут художник (писатель) или группа авторов, сами конструируют и фантазируют мир, который хотят открыть человеку, своему современнику. Также анимация (в отличие от игрового кино), как и написанная книга для читателя, оставляет зрителю свободу для своего личного воображения, для дальнейшей фантазии увиденного, что важно для продолжения жизни образов, героев произведения в мыслях и чувствах каждого неравнодушного зрителя. Поэтому мы выбрали подобную форму выражения. Фильм или сериал (об этом мы также ещё размышляем) будет совмещать сложившиеся традиции классической анимации с уже давно современными трехмерными цифровыми технологиями.
– На какой стадии разработки находится проект в настоящее время?
– Сейчас – самый ответственный и кропотливый этап, подготовительно-концептуальный, и тут есть ряд направлений: 1. Работаем над характерами образов героев, над их физически-эмоциональным состоянием в различных ключевых точках сценария 2. Над технической сферой космических аппаратов и их динамикой движения 3. Над образом планеты «железной звёзды» и её обитателями.
Ингрид Дитра, астронавигатор
Кей Бэр, бортинженер
Эрг Ноор, командир экспедиции
Фауна Железной звезды
Разработка флоры железной звезды
Звездолёт со фторовой планеты
– Саша, как у вас родилась идея создать мультфильм по произведениям Ефремова?
– Иван Ефремов – один из важных и любимых мне писателей. В дружеском кругу с близкими для меня по духу людьми мы не раз с большим увлечением обсуждали мир и образы героев Ефремова и делились мыслями и впечатлениями о построенных им гранях будущего нашего человечества. В одной из таких встреч с друзьями у меня и у друзей родилась идея создать художественно-анимационное произведение.
– Как и полагается, надо начать со сценария. 🙂 Автором идеи сценария выступил историк археолог Олег Двуреченский, именно он предложил обьединить отдельно выбранные сюжетные и смысловые линии из двух произведений Ивана Ефремова в один стройный сценарий. Разработку и написание художественного сценария взяла на себя режиссёр Александра Фидарова.
Параллельно я и Вячеслав взялись вплотную за поиски, разработки и воплощение в рисунке образов героев, экипажа землян и экипажа внеземной цивилизации.
А за строительство космических кораблей, да именно строительство, так как всё должно быть научно и инженерно продумано, взялся скульптор Александр Горохов.
– Сейчас стало ясно, что технологии развиваются несколько иным путём, чем предполагалось в 60-е годы. Будет ли технологический антураж модернизирован в соответствии с новейшими достижениями прогресса?
– Об этом у нас шли и идут обсуждения с изучением как технологического уровня прошлого столетия, так и современного. Да, конечно будет модернизирован, а также у нас есть все возможности придумать технологию будущего.
– С какими сложностями столкнулся проект на настоящем этапе?
– Сложностей, как это ни банально звучит, много. 🙂 Так как, углубляясь в проект, ты открываешь всё более новые плоскости художественно- визуального воплощения, неразрывно связанного с изучением научного материала. А вот одна из главных сложностей – это добиться убедительности образов для зрителя. Добиться того, чтобы зритель почувствовал и восхитился людьми будущего, их особенным отношением друг к другу, к человечеству, ко вселенной. Это самое сложное, что стоит перед нами, как это показать художественно-пластическим языком.
– Расскажите немного о себе.
– Я и Вячеслав – художники, работаем жанре социального реализма, как в графике, так и в живописи.
– Что, по-вашему мнению, реализация обсуждаемого проекта принесёт людям?
Думаю и считаю, что это даст вдохновение и понимание, что будущее рукотворно, как мы будем его представлять и какое устройство общества и человеческие взаимоотношения мы строим сейчас, к такому будущему мы и придём. И, конечно, восхищение красотой человека во всех его гранях.
– Что бы вы хотели сообщить нашим читателям напоследок?
– Мечтайте, создавайте и воплощайте в жизнь то, что продвинет человека и человечество в целом.
Будем рады всем, кто желает помочь проекту творческими, научными, техническими знаниями и силами.
Как вы поняли, на настоящем этапе проекту требуется помощь энтузиастов: нужны художники, программисты, аниматоры, дизайнеры, сценаристы, композиторы, спонсоры. Желающие помочь проекту могут присоединиться к группе в ВК или написать на электронную почту: slavail10@gmail.com Вместе мы можем сделать это!
«Я вижу множество женщин и мужчин, искавших света в узкой, небогатой жизни, добрых настолько, чтобы помогать другим, и сильных настолько, чтобы не ожесточиться в моральной духоте окружающего мира. И храбрых, безумно храбрых! Их будущее – наше настоящее». Слова героини «Туманности Андромеды» И. Ефремова.
Низа Крит, астронавигатор
Портрет
12 ноября 1844 г.— родился американский художник Кассиус Кулидж
Собаки играют в покер» — серия картин Кассиуса Кулиджа с изображением играющих в карты антропоморфных собак, одетых в мужские костюмы, курящих сигары и пьющих алкогольные напитки. Картины должны были стать иллюстрациями к рекламным календарям. Календари должны были рекламировать сигары.
Художника обидеть может каждый
Пост касается прежде всего тех, кто сам рисует и/или постит фото своих работ в сообществе «Лига художников».
Недавно (собственно, я сама здесь зарегистрирована недавно, хотя года три как до этого просто читала Пикабу) с удивлением узнала, что, оказывается, творческие люди (в частности художники) настолько ранимые личности, что на дух не переносят никакой критики в адрес своих работ.
Даже той, что по существу и высказана в корректной форме, не затрагивая личность самого автора картин.
Причем больше всего обижаются даже не сами авторы, а некие «сочувствующие» из «группы поддержки». И начинают всячески тут доказывать, что молодых авторов ВООБЩЕ нельзя критиковать, а то у них стоять не будет. На работу, естессно)
Или критиковать можно, но только если они так под своим постом с картиной и написали: хочу, мол, чтобы меня покритиковали.
Во всех остальных случаях ни-ни! Допускаются лишь восторженные отзывы независимо от того нравится тебе увиденное или нет. На крайний случай про автора и его работы, как про покойника: либо хорошо, либо никак. Хочешь написать что именно не так или не понравилось- молчи и даже не думай писать свое мнение. Ведь картина выставлена ради «лайков» и плюсиков, а не вот это вот все!
А, да! Еще хотела уточнить возрастной или временной промежуток, в течение которого по мнению этих людей молодого художника следует считать молодым и не подвергать его эго негативу. Потому как в комментах данные форумчане как-то подозрительно промолчали по этому поводу.
Ну и как вишенка на торте: как на счет того, чтобы работы «молодых и ранимых» выставить не в инете, а на реальной выставке/витрине/холле? Т.е. в общественном месте, где каждый может видеть, оценивать и озвучивать свое мнение, не считаясь с тем хочет его слышать автор или нет.
