что значит разбираться в живописи

Что значит разбираться в живописи

Зачем человеку искусство? Чтобы узнавать новое, расширять кругозор… Да, безусловно. Но также искусство пробуждает в нас что-то такое, от чего хочется радоваться, плакать удивляться или кричать. Оно заставляет размышлять. И смотреть на мир другими глазами.

Правда, иногда разгадать его секреты не так-то просто. Какой глубокий смысл этого полотна? И, простите, но что изображено на вот этом холсте? Выход есть — погружение в историю искусства. Дана Арнольд написала об этом целую книгу. Она рассказала, как «читать» художественные произведения и что вообще всё это значит.

6 ингредиентов искусства

Дана Арнольд — настоящий гуру в искусстве. Она преподаёт в Мидлсекском университете, написала множество книг по истории и архитектуре. Свою новую книгу «Говорит и показывает искусство» она разделила на 6 больших глав: взгляд, материал, сознание, верность, власть и гендер. Каждая открывает новый ракурс, с которого можно рассмотреть шедевры искусства.

Иллюстраций в книге «Говорит и показывает искусство» немного: только самые значимые

При этом «Говорит и показывает искусство» вовсе не справочник. Тут больше слов, чем картинок: только самые важные иллюстрации и полезные мысли, примеры и рассуждения. Настоящий путеводитель по миру художников и скульпторов.

Книга дарит музейное вдохновение: вам тут же захочется посетить галерею или прогуляться по виртуальным залам выставки, чтобы увидеть великие произведения воочию.

Шок новизны

Иногда непросто вынести эстетическое суждение. Красива эта картина или нет? Какой смысл она скрывает? И для чего она нужна, если зритель не может её понять? История знает массу примеров того, как искусство вызывало общественный гнев или отторжение. Такой была первая реакция на «Голову быка» Пикассо. Сегодня уже никто не сомневается в том, что эта работа ценна. Но тогда она вызвала неоднозначную реакцию.

Как-то Пикассо заметил в углу сиденье и руль велосипеда. Он соединил эти предметы, и появилась «Голова быка»

На этот вопрос когда-то ответил Иммануил Кант. Он утверждал, что такие произведения заставляют нас мыслить и рассуждать. И понятие прекрасного постепенно расширяется! А это, в свою очередь, медленно, но верно меняет общественное мнение. Ух, вот это взаимосвязь.

Живопись или скульптура?

Еще одна тема для дискуссий — выбор направления. Леонардо да Винчи писал, что живопись — высочайшее из искусств. При этом он скептически относился к скульптуре и считал неподобающим пот, неизбежный при напряженной работе молотом. Тяжёлый физический труд, по мнению художника, умаляет интеллектуальную составляющую в искусстве.

«Хит» Леонардо да Винчи — «Портрет госпожи Лизы Джокондо. Мона Лиза»

В отличие от него Микеланджело любил работать физически. Он сам выбирал куски мрамора и двигался всё время в одном направлении — вперёд, а не отсекая куски со всех сторон.

Дали и психоанализ

В XX веке искусство ещё больше стали связывать с человеческой психикой. Работы художника воспринимали как зеркало, которое отражает внутренний мир мастера. Заглянуть в них — приоткрыть завесу бессознательного, увидеть его переживания, чувства и игру воображения.

Один из самых неординарных художников, который «вытаскивал» сюжеты из своего подсознания, — Сальвадор Дали. Он был увлечен темой галлюцинаций и иллюзий, поэтому многие его картины часто обескураживают зрителя. Вот, например, «Метаморфозы Нарцисса». Что вы здесь видите? 🙂

Как-то Дали показал Фрейду «Нарцисса» и свою статью о паранойе. Тот загорелся выяснить с помощью психоанализа, «где берут истоки картинки вроде этой».

Дали написал её в соответствии с параноидально-критическим методом. «Если какое-то время с небольшого расстояния пристально смотреть на гипнотически неподвижную фигуру Нарцисса на картине, то она начнет исчезать, пока не станет совсем невидимой», — писал художник. Попробуйте.

Что ещё в книге

«Говорит и показывает искусство» — объёмное, глубокое и невероятно увлекательное путешествие в мир художников, скульпторов и архитекторов. Автор проводит тонкие ниточки между разными эпохами и показывает, как созвучны голоса художников в разное время. А ещё исследует, как люди смотрят на произведения искусств и что в них видят.

Ещё вы найдёте в книге много занятного и любопытного:

Искусство — целая Вселенная. Завораживающая. Непознанная. Бескрайняя. Его изучение похоже на космический полёт: от планеты импрессионистов до созвездия сюрреалистов, от кометы Вермеера до астероида Хёрста. Так что пристегнитесь, улыбнитесь и в путь! Навстречу прекрасному: сквозь время, оттенки и сюжеты.

Источник

Как разбираться в живописи

Вопрос:

Меня зовут Мухиддин. Я из Узбекистана. Читаю статьи на вашем сайте. Очень нравятся. Весьма интересные и креативные.

Хотя я много читаю, но все равно не могу понять некоторые ситуации. Можно ли я вам задам вопрос?

Как мы все знаем, в мире много музеев и дворцов. Каждый из них уникален и неповторим. Я посещал музеи в России, Франции, Бельгии, Голландии, Германии, США и т.д. Когда я смотрю картины Средневековья, стараюсь понять, что вообще там изображено. К сожалению, не всегда получается: очень разная тематика. Говорят, что для понимания картин нужно очень хорошо знать Библию. С этим я согласен.

Пожалуйста, если у вас есть очень умные люди, которые осознают важность этого вопроса, напишите статью об этом. Как вообще нужно посещать музеи мира, как знать без Google, что там ценного (например Часы Павлин в Эрмитаже) и как понять сюжет и историю картины? Как вообще человек должен смотреть и толковать живопись? Какие легкие способы существуют?

С надеждой увидеть ответы на мои вопросы в скором будущем и с уважением, Мухиддин.

Ответ

Конечно же нам можно задавать вопросы, разве не за этим ты нам написал? Кстати, огромная тебе благодарность: одно удовольствие — отвечать на такое. Хотя некоторые моменты нам кажутся чересчур наивными. Все гораздо проще, чем ты думаешь. Кто-то очень умный придумал аудиогиды и экскурсоводов, которые все объясняют. А чтобы разбираться глубже, нужно проявить заинтересованность. А легко это или нет — решай сам.

Некоторые считают, что черпать знания из интернета, тем более когда речь идет о таких высоких материях, — моветон. Для них это все равно что променять ночь музеев на концерт «Пошлой Молли» в «Ионотеке»: вроде бы тоже культурное мероприятие, но с едким привкусом дерьма. Потому что культура бывает разная.

Для таких людей вот уже сотню лет издаются книги, энциклопедии классического искусства, в которых представлены репродукции картин с краткой информацией о них. Чаще всего такие сборники разделяются по определенной тематике, например, на шедевры русского изобразительного искусства, лучшие работы конкретного художника, или коллекции определенного музея.

Я вот полюбил русское изобразительное искусство благодаря картинам Карла Брюллова. А в творчество Карла Павловича я влюбился благодаря шикарной книге с репродукциями, изданной в еще лохматые советские времена. Тут была и биография художника, и комментарии о том, как он писал свои гениальные итальянские пейзажи, и что обозначают жесты людей на картине «Последний день Помпеи».

Чудо как хороша книга почившего ныне искусствоведа Даниэля Арасса «Истории картин». Она состоит из небольших рассказов, посвященных проблемам перспективного изображения. Проще говоря, объясняет, что обозначают жесты архангелов, пейзаж за спиной Джоконды, огромные улитки на картинах Франческо дель Косса.

Обязательно почитай книгу «Живопись и социальный опыт в Италии XV века». Уже из названия ясно, что она про Италию и взгляды людей разных сословий на искусство. Элементарно, у купца и ремесленника глазомер был разный, и потому их видение полотен отличалось. Художники, само собой, учитывали этот факт при написании.

Молодые авторы в своих новых книгах пытаются докопаться до истины, приписывают картинам полудетективные истории, пытаются взглянуть на известные шедевры новым взглядом, хотя все уже давно известно. Так что не смотри на дату выпуска книги.

Найти хорошие книги не составляет труда. Они не просто расширяют кругозор, но и учат воспринимать хорошо известные полотна иначе. Думаю, как-нибудь мы сделаем подборку книг по искусствоведению.

Чтобы разбираться в искусстве еще лучше, необходимо интересоваться биографией мастеров. Например, картины Караваджо становятся понятнее, когда понимаешь, что он нечаянный убийца, который почти всю жизнь провел в бегах. Картины и выходки Сальвадора Дали видятся несколько иначе, когда узнаешь про его окружение и нюансы семейной жизни.

Ну и конечно же искусство не может идти вразрез с историей. Именно она, голубушка, дает понять, какой общественно-политический заказ выполняли монахи, оставшиеся в истории под звучными именами Фра Анджелико, Фра Бартоломео и т.п. Появление авангардизма, кубизма и импрессионизма неразрывно связано с безумствами ненормального и революционного ХХ века. Когда вспоминаешь, что в те времена наркотики были лекарствами, технологии пошли вперед семимильными шагами, а нравы сильно поменялись, то находишь оправдание провозглашенной популярности и величию Модильяни. Ведь по сути, когда ты смотришь на фрески или полотна, ты читаешь исторический документ.

Читай книги, смотри документальные фильмы, они научат тебя видеть больше, чем просто красоту. Ну и заодно узнаешь, в каком музее что находится. Кстати, истории самих музеев порой интереснее их коллекций, так что если будет интересно, то изучи их.

Но это не все. Если хочешь стать искусствоведческим монстром, тренируйся. Например, учись отличать школы не глядя на авторов. Просто открой книгу с репродукциями и назови временной период, школу автора и в каком направлении он писал. Высший балл — имя художника. И старайся сам объяснить, что изображено на холсте, без подсказок. Даже если это абстрактная картина, хотя в них много смыслов. Ну а глубже разбираются только критики и культурологи.

Ну и наконец любое дело воспринимается иначе, если ты сам им занимаешься. Так же и с живописью: если ты сам рисуешь, то смотришь на холст другим глазом, как профессионал. Замечаешь такие нюансы, как линия, объем, цвет. Мы, простые смертные, видим что-то интересное, а художник — собранный пазл. Прими это к сведению, даже если не собираешься тратить время на курсы по рисованию. Тонкости художественной кухни, терминология и процесс создания значительно меняют восприятие. Это все равно что смотреть футбол и учить футболистов бить и давать пас, ведь коллегами вас не назовешь.

Источник

Как научиться понимать живопись

Как научиться понимать живопись человеку без академического художественного образования? Вопрос можно поставить иначе: зачем современным людям загружать свой мозг лишней информацией, тратить время на посещение музеев и галерей, запоминать фамилии живописцев, если фотокамера смартфона способна зафиксировать все, что душе угодно? Причем, получится высококачественное изображение предмета или очень реалистичный портрет, и не нужно будет вообще думать о том, как научиться понимать живопись и как ее расшифровывать.

Поклонники живописи ответят, что даже самая правдивая и точная до мельчайших деталей фотография не способна передать зрителю эмоциональное состояние и посыл автора. А вот картина, даже если она выполнена в абстракционизме или кубизме, содержит в себе закодированное послание. И счастлив тот, кто может хотя бы частично раскрыть замыслы художника, впитать в себя его настроение и расшифровать информацию, заложенную в произведение.

Почему все же стоит научиться понимать живопись и зачем нужно впустить ее в свою жизнь? Можно привести как минимум три причины:

А еще живопись может стать новым и интересным увлечением, причем не только в виде простого коллекционирования картин — вы можете попробовать себя в рисовании, взяв в руки карандаш и кисть. Ведь известно много случаев, когда успешные брокеры, таможенники и бакалейщики в зрелом возрасте становились известными художниками. Но для начала стоит научиться рассматривать живопись. И мы подскажем, как это сделать.

Инструкция — как расшифровать картину?

Всмотритесь в полотно внимательно, и, если позволяет помещение, посмотрите на изображение с разных ракурсов и с различного расстояния. Прочитайте название и затем попробуйте изучить картину, воспользовавшись небольшой инструкцией:

И в конце уже можно будет научиться понимать живопись и осознавать истинное предназначение полотна.

В чем предназначение картины

Каждая картина создавалась автором для достижения определенной цели. В давние времена, когда грамотность была привилегией высшего класса, картины использовали для просвещения большой массы людей. Например, в эпоху раннего христианства церковь стремилась распространить евангелистское учение как можно шире. Так появились иконы и иллюстрации к Библии. Люди смотрели на рисунок и сравнивали его содержимое со словами проповедников.

Позже, с заметным увеличением количества грамотных людей, художникам надоело доступно излагать информацию для тех, кто не умеет читать. Живописцы научились зашифровывать в полотнах тайные послания, порой закладывая в них задачи, непосильные даже для просвещенного зрителя. Этим любил баловаться Микеланджело (Michelangelo). Посмотрите на «Сотворение Адама». Говорят, что мастер нарисовал человеческий мозг, а потом повторил этот трюк на «Отделении света от тьмы» на шее бога. С какой целью?

А вот «Аллегория с Венерой и Амуром». Какая задача стояла перед Аньоло Бронзино (Agnolo Bronzino) — неизвестно. Однако, если всмотреться в полотно, то можно понять, что художник изобразил ложь, похоть, зависть, ревность и отчаяние. На картине присутствует много персонажей и предметов, и каждый из них достоин детального изучения, чтобы составить целостное представление о работе и о целях автора.

Попробуйте расшифровать тайные смыслы картин, изучая работы современных живописцев и старых мастеров. На сайте Very Important Lot можно купить картины напрямую у художников, которые презентуют собственные полотна на отдельных страницах-портфолио.

Источник

Как начать разбираться в живописи

Ну что, друзья, сегодняшний наш лонгорид посвящен еще одной сложной теме – живописи. После его прочтения, вы, возможно и не будете экспертом в живописи, но Мане от Моне отличить точно сможете)))

Итак, приступим. Начнем издалека: несмотря на то, что рисование, это, пожалуй, один из древнейших видов искусства, мы знаем лишь художников где-то века эдак с 15-го. А наскальные рисунки и фрески имён своих создателей не сохранили((

Начнем с гравюр. Самый известный художник в этом стиле – Альбрехт Дюрер. Поэтому если вы видите в вопросе гравюру, и она вам кажется знакомой, можно рискнуть и назвать именно его. Хотя одними гравюрами он не ограничивался, написал огромное количество портретов и считается одним из величайших художников Возрождения.

Картины эпохи Возрождения очень многочисленны, как и авторы. Поэтому пробежимся по основным представителям: Микеланджело, Да Винчи, Ботичелли. Ключевым отличием всех картин этой эпохи является обязательное наличие на картине людей. Портреты, сцены из светской жизни, быта, библейские темы, но при этом обязательное присутствие человека на картине.

Идем дальше. Если Реннесанс это классицизм, то подражание североамериканских художников, а затем и европейских, этому стилю стали называть неоклассицизмом. Ключевые темы – библейские, античные и мифологические сюжеты. Основные представители – Рафаэль, Николя Пуссен, Франц Йозеф Гайдн.

Еще одной ветвью классицизма можно назвать романтизм. Как можно понять из названия, в таких картинах самое важное – это эмоции: благоговение, радость, ужас и трепет. В этом стиле писали: Франсиско Гойя, Исаак Левитан, Иван Айвазовский, Уильям Тернер.

И вот конец XIX века нам приносит символизм. Первые эксперименты с образами, отличающиеся недосказанностью, таинственностью и загадочностью. Зачастую даже не образы, а их иллюзия. И самые главные символисты: Михаил Врубель, Гюстав Моро, Хуго Симберг.

Начинается век двадцатый и приносит с собой огромное количество совершенно отличающихся взглядов на живопись. В 1920-х годах Сальвадор Дали начинает творить в стиле, который назовут сюрреализмом. Картины, обнажающие происходящее в голове художника, вызывающие огромное количество эмоций. В этом стиле так же рисовали Марк Эрнст и Рене Магритт.

Модернизм. Вот здесь как раз и родилась анекдотичная ситуация с художником, который «так видит». Нарочитые образы, будто написанные малярами, а не художниками. Хотя сами живописцы считают модернизм способов выражения своего исключительного видения. Основоположниками можно считать Анри Матисса и Пабло Пикассо.

Вот только Пикассо модернизмом не ограничился и доказал, что он вообще всё видит по-своему. Он изобрел кубизм. Здесь даже больше и сказать нечего)

Если взять много кубизма, хорошенько перемешать с модернизмом, то получим абстракционизм. Нефигуративное искусство. Пятна цвета, геометрические фигуры создают впечатление законченных образов, а нас порою просто ставят в тупик. Единственная картина, которую мы немножко понимаем – «Квадрат» Малевича) Ну а это великолепие придумали Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов. Безумно, дорого (можно и без запятой).

Ну и закончим мы на поп-арте. Не могли мы обойтись без этого наглого, вульгарного, комиксового жанра живописи. Ну и ярчайший представитель – Энди Уорхол.

А теперь про Мане и Моне. Как их различить? Мало того, что жили в одно время и были друзьями, так и фамилии почти одинаковые) Здесь всё просто: если верить многочисленным мемам, то Мане — люди, а Моне – пятна.

До встречи. Всегда ваша, Мозгобойня в Кемерове.

Источник

Научиться различать направления живописи за пятнадцать минут? Легко!

Направлений в искусстве бесчисленное множество. Большинство из них рождают всё новые и новые ветви, в которых сложно разобраться, но все же со временем некоторые стили оттачиваются, приобретают четкие границы, глубоко пускают корни и становятся классикой. Именно о них пойдет речь сегодня.

Директор федеральной площадки по продаже искусства Art-most.com Вячеслав Тишин заметил: «Среднестатистический покупатель искусства не является коллекционером или профессиональным экспертом в живописи, поэтому он может запутаться в многочисленных стилях и жанрах. На нашем сайте для удобства покупателя мы постарались выделить самые объёмные и распространённые направления: абстракционизм, авангардизм, импрессионизм, конструктивизм, концептуализм, модернизм, наивное искусство, поп-арт, реализм, символизм, сюрреализм и экспрессионизм.»

Как определить стиль произведения? Какие черты характерны для того или иного направления стиля? Кто из художников являются яркими представителями вышеупомянутых направлений? Попытаемся разобраться!

Авангардизм – направление со множеством «лиц», это целая ветвь, которая объединяет фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт и концептуальное искусство. Основными чертами авангардизма можно назвать следующие:

Владимир Терёхин «Лица»

Никола Зверев «Качели»

Экспрессионизм – течение, возникшее в западноевропейском искусстве в начале 20 века, как отклик на Первую мировую войну и революционные движения. Экспрессионистам свойственны тяготение к мистике и пессимизм, а субъективность творческого акта и эмоциональный эффект превыше всего. Можно отметить, что для многих работ характерны мотивы мучений, боли, страданий, крика.

Абстракционизм — направление искусства, менее всего напоминающее действительность в изображении форм. Цель — достигнуть гармонию, создать определённые цветовые сочетания и геометрические формы, чтобы вызвать у наблюдателя разнообразные ассоциации.

Бато Дугаржапов «Весенний мотив»

Дмитрий Мантров «У горного озера»

Юрий Новиков «Натюрморт с бронзовыми часами»

Сюрреализм. Как-то Сальвадор Дали сказал: «Сюрреализм — это я!», и этим все сказано. Данное направление возникло во Франции в середине 20 века. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Сюрреализм – это коллаж реальных и подсознательных, фантастических образов.

Игорь Брагин «Большой дом из одной груши»

Поп-арт — буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект. Поп-арт получил распространение в США в 1950-х гг. Художники этого направления воспроизводят типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин, и т.д.), популярные печатные изображения звёзд, вырезки из газет.

Самые известные художники поп-арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол. Поп-арт на Art-most.com представлен следующими художниками: Игорь Север, Ирина Чернавина, Андрей Колосов, и др.

Концептуализм – интеллектуальное творчество, в большинстве ироничное – возникло изначально как противовес коммерческому искусству. Концептуализм – это торжество идеи над эмоциями, это картины, созданные для интеллектуального восприятия.

Ксения Крестова «Восточный ветер»

Оксана Стогова «Из серии «Деколоризация живописи» № 8»

Конструктивизм — направление, возникшее в СССР в 20-х г.г. ХХ века. Сторонники конструктивизма стремятся показать простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм. Данный стиль характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика. Конструктивизм – это простые, плоские, символические цвета, передача изображения без объема и перспективы.

Модернизм — общее название направлений искусства конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т.п. Иначе модернизм называют иногда «иным искусством». Его цель — создание уникальных картин, не похожих на другие. Главная черта работ — особенное видение мира автором. Модернисты часто экспериментируют с формой, а также склонны к абстракции, нередко сопровождающейся эпатажем и определённым вызовом устоявшимся канонам.

Виктор Головий «Красное и чёрное»

Наивное искусство — творчество художников-самоучек, иногда — профессионалов, которые сознательно и целенаправленно «упрощают» свои картины, рисуют в «детском» стиле. Наивное искусство имеет следующие признаки:

Реализм — направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Термин «реализм» дословно означает «действительный», «вещественный».

Василий Ларионов «Волга у Бахиловой Поляны»

Ильгиз Насибуллин «Натюрморт с яблоками»

Символизм — одно из крупнейших направлений в искусстве, возникшее во Франции в 1870-80-х г.г. Символисты отличаются экспериментаторским характером, стремлением к новаторству, использованием символики, недосказанности, намёков, таинственности и загадочности, космополитизмом и обширным диапазоном влияний.

Александр Сулимов «Тайна»

Анна Осипова «Весны дыханием окрыленные»

Анна Тарасенко «Гималайские объятия»

Направлений в живописи, конечно, гораздо больше. Однако здесь собраны самые распространенные из них. Научившись различать основное, уже проще понять остальные ветви и новые направления, возникающие в искусстве.

Автор:
Арина Сухачева

Источник